E’ entrata nella storia per la fama che ha acquisito grazie ai personaggi noti che la utilizzarono nel corso degli anni, tra i quali Hemingway, Wilde, Van Gogh e Matisse, che annotavano le loro idee e i loro primi schizzi di opere d’arte sulle prime Moleskine.
E ancora oggi, dove tutto è legato al digitale e al web, i nostri amati taccuini continuano ad essere utilizzati da artisti come base per annotare idee, schizzi, scarabocchi.

Nel web non mancano le community dove pubblicare le pagine della propria moleskine, una tra tutte Fuck Yeah Moleskines su Tumblr.

[ via designrfix ]

Moleskine Artbook is a post from: Tiragraffi

Guarda la sua Photo Gallery su Flickr, il suo E-Shop e scarica la sua App per iPhone.

[ via cocacolla.it ]

Le caricature (e non solo) di Stanley Chow is a post from: Tiragraffi

Una serie di opere, su due pareti, un “mosaico” di ritratti e situazioni insolite, legati dal filo comune della rappresentazione della realtà, così come è: inquietante e indefinita, come i lavori presentati da Dario Carratta, 1988.

Alla Galleria 291 est di Roma fino al 28 gennaio.

Visualizzazione ingrandita della mappa

Dario Carratta: Distopie, società indesiderabili is a post from: Tiragraffi

Oltre a mettere a disposizione 200 telefoni cellulari Samsung Star NFC per tutti i visitatori, Samsung Electronics ha supportato i Musei Capitolini nello sviluppo di tutta l’iniziativa.

Il servizio è operativo da oggi 24 novembre e inizialmente interesserà circa 300 opere nelle sale di Palazzo Nuovo, Palazzo dei Conservatori e Pinacoteca.

Il sistema è semplicissimo da usare. I visitatori che dispongono di uno smartphone dotato di tecnologia NFC di qualsiasi produttore possono usarlo direttamente, mentre chi non lo ha può ritirare in biglietteria i terminali adatti messi a disposizione da Samsung senza alcun costo aggiuntivo sul biglietto. La trasmissione delle informazioni funziona in modo automatico, basta avvicinare lo smartphone al tag posizionato accanto ad un’opera per far aprire il suo browser web con la pagina di approfondimento: titolo e autore quando conosciuto, descrizione e interpretazione, datazione, contesto artistico e via dicendo.

I tag NFC, grandi pochi centimetri, sono piccolissime antenne che possono essere lette da smartphone dotati di questa tecnologia. L’emissione di onde radio è bassissima, tant’è che è necessario avvicinare lo smartphone a 1-2 cm di distanza perché possa ricevere il segnale del tag.

Le informazioni per ora sono in italiano e inglese, ma al sistema saranno aggiunte nuove lingue e nuovi tag. Nei prossimi mesi, inoltre, il servizio sarà esteso alla quasi totalità delle opere esposte nelle sale dei Musei Capitolini, andando ad integrare i sistemi informativi tradizionali già presenti (didascalie e totem), con particolare efficacia nelle sale storiche dove è più problematica l’istallazione della segnaletica tradizionale a stampa.

Si tratta quindi di un progetto estremamente flessibile e dalle enormi potenzialità di sviluppo che potrà essere utilizzato anche per fornire informazioni su esposizioni temporanee e prestiti.

Infatti, è già disponibile il tag di Ἀποξυόμενος L’atleta del Kimbell Art Museum che i Musei Capitolini hanno ricevuto in prestito in cambio del dipinto La Buona Ventura di Caravaggio.

La testa in bronzo, esposta al pubblico dal 24 novembre 2011 al 15 gennaio 2012 insieme a due strigili dalle collezioni dell’Antiquarium dei Musei Capitolini, appartiene alla figura di un atleta raffigurato nel gesto di detergere il corpo nudo dall’olio e dal sudore dopo aver completato l’esercizio ginnico. L’azione veniva compiuta con l’ausilio di un tipico attrezzo per la pulizia del corpo denominato strigile, che faceva parte del corredo atletico.

I Musei Capitolini e Samsung per una nuova fruizione dell’arte is a post from: Tiragraffi

Queste solo le uniche tre informazioni “incasellabili”, perché Ale è un artista poliedrico che spazia dalla fotografia alla musica, scrittura, multimedialità fino alla regia di corti.

Il suo cortometraggio-docufiction intitolato “Indagine su cittadini al di sopra ogni sospetto” è selezionato e proiettato da molti festival di cinema italiani e internazionali, tra cui lo Short Film Corner del 62° Festival di Cannes (visibile qui).

Lo incontriamo per farci raccontare del suo rapporto con la fotografia e di come l’ha cambiato.

Ciao Ale, raccontaci di te e del tuo rapporto fotografia.

La cosa si fa lunga, cominciamo col fatto che mio padre ha sempre coltivato una forte passione per la fotografia e i filmini 8 fin da prima della mia nascita… in pratica sono nato in mezzo a pellicole, obbiettivi, camere oscure. Mio padre scattava e filmava in continuazione; tanto che poi, molti anni dopo, quando ho deciso di provare a scattare anche io per vedere se ne ero capace, ho capito che senza accorgermene avevo ricevuto una grandissima educazione dell’occhio.

Credo di essere stato davvero fortunato e da quando ho iniziato a frequentarla, la fotografia è diventata una specie di “estensione” di me, nel senso che ormai non so più guardare al mondo senza quello che definirei “notare il fotografabile”.

Solitamente quale attrezzatura utilizzi per i tuoi lavori?

Dipende tutto dall’umore e dall’ispirazione del momento. Dato che mi piace la Lomografia e l’analogico – ci sono nato dentro e rimane impossibile ancora negarne la superiorità sotto ogni aspetto – uso macchine come L-ca, Holga, Cosina; ma anche varie Polaroid di tipo e formato diverso. Ultimamente uso molto il mio iPhone che ormai offre possibilità di immediatezza, elaborazione e gamma di stili davvero straordinarie; quando voglio qualcosa di più “alto” ricorro alla reflex Canon o, per qualcosa di più compatto e quindi comodo da usare, la mia fedele Lumix LX2, che tante soddisfazioni mi ha dato e continua a darmi…

Qual è il genere fotografico che più ti piace o nel quale ti ritrovi meglio? Cosa ti ispira?

Quello che davvero mi interessa e mi ispira è ciò che cattura la mia attenzione in modo diretto. È molto difficile risponderti, perché se ci sono cose che non mi piacciono – la fotografia molto manipolata forse su tutte – ci sono anche cose per cui ho capito di non essere portato – la paesaggistica e il naturalismo, per fare due semplici esempi. Mi piace la decontestualizzazione, trovo la street photography sempre affascinante perché stimola la mia naturale fascinazione per l’altro, la ritrattistica deve essere molto particolare per colpirmi… In genere preferisco il colore, ma il bianco e nero mi suscita grande ammirazione e fascino.

La fotografia ti ha cambiato? se si, come?

Ha cambiato la mia vita! Come dicevo sopra, il concetto di “estensione” di me è qualcosa che è arrivato insieme a una maturazione sul perché (e come) io faccio fotografia; è una radicale modifica del modo di vedere le cose, e non è qualcosa da cui si torna indietro. Ma anche in senso pratico, decidere cosa infilare in borsa prima di uscire di casa, sia per una giornata qualsiasi o per un viaggio, ti fa riflettere e imparare molto…

Che consiglio daresti a chi si avvicina per la prima volta al mondo della fotografia?

Scattare, qualsiasi cosa salti all’occhio, anche se all’inizio può sembrare una pratica “casuale”, senza avere paura di sprecare scatti; questo può aiutare a capire quello che si vede e come riprodurlo, oltre a rendere consapevoli e familiari con le tecniche di scatto.

Frequentare il più possibile sia altri fotografi che le community online di fotografia e guardare, osservare, cercare di capire il lavoro altrui, cosa piace e perché piace o meno: nulla può aiutare l’occhio, la consapevolezza e la ricerca del proprio stile meglio dell’esposizione al lavoro di altri fotografi.

Studiare la tecnica e poi fare lo sforzo fondamentale perché serva a qualcosa: dimenticarsela.

approfondimenti 

Sito ufficiale – aledigangi.com
Flickr – flickr.com/ale2000
G+ – gplus.to/aledigangi
Facebook – facebook.com/aledigangiphotographer

[ via Lumix Lifestyle Italia: Le interviste di Lumix - Ale di Gangi ]

Un fotografo “inincasellabile” is a post from: Tiragraffi

Una donna amata quanto odiata, sensibile ma altrettanto cinica e opportunista, di certo un’arrivista in piena regola che rispecchia lo pseudonimo della donna pronta a tutto per arrivare al suo scopo, conclamando apertamente “Giuro che mai più né io né la mia famiglia avremo fame”. Una donna che da sempre rappresenta un’icona prettamente americana e che riesce, nelle varie sfaccettature a rispecchiare ogni forma e ogni caratteristica della femminilità, non solo dell’epoca ma anche contemporanea.

Per Gaialight, artista italoamericana residente a New York, Rossella oltre che un’icona è diventata una “compagna di viaggio” immortalata all’interno dello scenario elettorale che accompagnava, come in Via col Vento, una  rivoluzione americana: l’elezione del primo Presidente di colore nella storia degli Stati Uniti. Una scelta, quella del personaggio di Rossella, che secondo l’artista (la cui intervista integrale si può leggere qui):

“intendeva raccontare, attraverso un espediente narrativo efficace nella sua semplicita’ (l’ utilizzo di una sagoma di cartone acquistata su internet) benche’ metaforicamente evocativo (la sagoma prescelta raffigurava un’ icona tipicamente Americana la cui complessita’, nel bene e nel male, concedeva ampio spazio alla riflessione critica), l’ America contemporanea in una delicata fase di transizione storica, politica, sociale destinata a cambiare per sempre la storia d’ America e del mondo con lei.
Scarlett O’ Hara, eroina anti-eroica per antonomasia”

Un’opera quella di Gaialight che inevitabilmente si insinua nell’attualità dimostrando che Rossella, donna con l’innata capacità di re-inventarsi, “proprio in virtù’ della sua imperfezione e’ rimasta indelebilmente impressa nel’ immaginario di intere generazioni, non solo di donne, che non hanno paura di amarla nonostante tutti i suoi limiti”.

Una scelta forte, estremamente simbolica che nel contesto in cui è stata inserita si è arricchita ancor di più di rappresentazioni. Spontanea arriva la riflessione sul mondo contemporaneo e in particolar modo all’Italia, dove la condizione femminile vive ancora alcune lacune, che all’apparenza sono insormontabili.

Chi sarebbe la nostra Rossella? Quale la rivoluzione che rappresenterebbe?

Gaialight e Rossella: la femminilità che vive nella contemporaneità is a post from: Tiragraffi

Co.Co.Co. è la III edizione del concorso d’arte giovane promosso dall’Assessorato alla Cultura del Comune di Como, rivolto ad artisti che operano nell’ambito delle arti visive, di età compresa tra i 18 e i 34 anni, che parteciperanno con un’opera d’arte recente, senza vincoli di genere o tecnica e in piena liberta stilistica.

“Dopo il grande successo della due precedenti edizioni – commenta Sergio Gaddi, Assessore alla Cultura del Comune di Como – Co.Co.Co. è oggi un concorso strutturato, al quale hanno partecipato alcuni tra i giovani artisti emergenti più interessanti nel panorama contemporaneo. Co.Co.Co. ha acquistato un ruolo ben definito all’interno dell’ampia serie di concorsi artistici su ambito nazionale, offrendo ai giovani talenti un’opportunità di visibilità, attraverso il coinvolgimento di critici, curatori, galleristi e professionisti del settore”.

Saranno selezionati 20 finalisti e tra di essi 1 vincitore, da parte di una giuria di esperti composta da: Marco Meneguzzo, curatore, Giovanni Bonelli, gallerista, Vittoria Coen, critica d’arte e direttore Museo Magi900, Emma Gravagnuolo, giornalista e critico d’arte, Nicola Salvatore, docente Accademia di Brera, Dany Vescovi, artista, Momo Banfi, collezionista.

Gli artisti selezionati esporranno l’opera presentata in una mostra collettiva presso lo Spazio Natta di Como dal 29 ottobre al 18 dicembre 2011.

Il vincitore riceverà un premio in denaro di 2.000 € e realizzerà una mostra personale presso San Pietro in Atrio, Como, in concomitanza con la mostra collettiva.

Per l’occasione verrà pubblicato un catalogo con le opere del vincitore e dei finalisti.

Per partecipare scarica il bando e la scheda di adesione dal sito www.culturacomo.it sezione arte o da www.comune.como.it al link albo pretorio on line e invia la documentazione richiesta entro il 20 maggio 2011.

La partecipazione al concorso è gratuita.

CO.CO.CO. Como Contemporary Contest is a post from: Tiragraffi

A partire da oggi  4 maggio fino all’8, Lugano ospita in diverse location la seconda edizione del Festival TEC ART ECO 02 CreAzioni, il cui principale intento è creare connessioni tra diverse discipline progettuali e artistiche mettendo in rete le istituzioni universitarie, di ricerca e di formazione professionale presenti a Lugano  e nel Ticino, per porre le basi di un’officina di produzione artistica giovane e innovativa.

Tra i tanti ospiti internazionali che intervengono in questa edizione, segnaliamo il filosofo Gianni Vattimo che apre la manifestazione con una lecture sulle interconnessioni tra Tecnologia ed Ecologia (4 maggio – h.16.00 – Aula Magna Supsi);  il climatologo Luca Mercalli, rifletterà sulle alleanze tra natura e tecnologia verso un nuovo habitat capace di dare risposte nostro esistere “tecnologicamente modificato” (5 maggio – h.18.30 – Auditorium USI);  Maria Grazia Mattei, critica ed esperta di nuove tecnologie della comunicazione, esplora la responsabilità delle tecnologie di diffondere contenuti volti a fare dell’arte uno strumento di crescita collettiva; Marie Anne Fontanier, direttrice artistica del Festival Internazionale Les e.magiciens,  riflette sulle opportunità per i giovani autori non solo di partecipare alla produzione artistica contemporanea europea, ma anche di modificare e rivoluzionare lo scenario attuale verso una cultura sostenibile (entrambe le relatrici saranno il 6 maggio – h.18.30 – Padiglione Conza).

Oltre alla sezione Incontri, il Festival associa sperimentazioni artistiche, con spettacoli e performance di danza e musica, laboratori tecnologici, installazioni di arte visiva.

approfondimenti

Sito ufficiale – www.tecarteco.net
Programma – 02 CreAzioni

FESTIVAL TEC ART ECO 02 CreAzioni
dal 4 all’8 maggio 2011 – Lugano (CH)

Festival TEC ART ECO, CreAzioni is a post from: Tiragraffi

Esperienza virtuale, vero, ma con tutti i pro e i contro che la tecnologia porta con sé.

La possibilità di camminare, seppure virtualmente, fra le stanze dell’Hermitage (come del Reina Sofia, o degli Uffizi, del Moma come della National Gallery di Londra, tanto per citarne qualcuno) e con un solo click accedere alle informazioni sugli autori, ai video o agli ingrandimenti delle opere non è poco, ma a questo si aggiunge una possibilità nuova che guarda al presente e al futuro legato al mondo virtuale: le gallerie. Cliccando in basso infatti potete accedere, grazie all’account di Google se già ne possedete uno o semplicemente creandone uno ad hoc, a una galleria personalizzabile sia dal punto di vista delle immagini (salvare ingrandimenti con possibilità di inserire note personali sull’immagine) che dal punto di vista contenutistico (creare ex novo un museo del tutto personale, raggruppando le opere per aree tematiche, colori o qualsivoglia idea o connessione vi venga in mente).

Questi due aspetti, quello visuale e quello contenutistico, non sono nuovi nel panorama di internet, perchè già Youtube aveva aperto questa possibilità e infatti sono milioni gli utenti che ogni giorno postano un proprio video con una propria intrinseca poetica e visione del mondo. Basti pensare, per esempio, ad un tema come quello della Shoah, che ha visto il fiorire di migliaia di video che integrano musica e fotografia, inserendole per sempre in un mondo di bit che non potranno (almeno a breve) essere eliminati dalla memoria mondiale. Dunque, come Youtube, anche il progetto di Google Art Project si delinea uno strumento indispensabile sia di studio che di interesse, di approfondimento e di creazione, nonché di memoria.

La bellezza si dispiega in un modo che fino a qualche anno fa era impensabile: gli ingrandimenti offerti dalle macchine digitali ormai superiori alla pellicola permettono a noi tutti di perderci in un’esperienza fino ad ora riservata a pochi collezionisti e studiosi, come quella di leggere le singole pennellate di un Manet o di vedere (finalmente, VEDERE) le pieghe, le grinze, le sfumature, le matericità dei dipinti. Aperto un nuovo canale visivo, segue subito a ruota quello contenutistico: le opere sono personalizzabili anche solo grazie agli accostamenti che ogni singolo utente può creare con la sua galleria personale, condivisibile in tutti i maggiori social network, insomma, una vera e propria “opera aperta” continuamente modificabile e aggiornabile, in linea con le attuali correnti di pensiero legate al mondo di internet. Google è sempre più un gigante, e a mio avviso siamo solo agli albori di una società culturale in grado di esprimere al meglio una globalizzazione intelligente e “pensata”.

L’opera d’arte non è più legata a quell’ “hic et nunc” tanto caro alle analisi di Benjamin e posteriori, e tutta la teoria che fino ad ora è stata scritta basandosi su quelle analisi va a farsi benedire. Il collezionismo diventa un feticcio e chiunque sia affetto dalla sindrome di accumulazione puo’ appagarla semplicemente con un click. Il collezionismo diventa digitale con buona pace dei passatisti. Sia ben chiaro, nulla cambierà rispetto alla meraviglia di trovarsi di fronte ad un vero quadro originale inserito nell’atmosfera del museo che lo ospita e a quella specifica della città che li contiene entrambi. L’opera d’arte originale mantiene la sua aurea, ma forse in un mondo post-postmoderno (ahi!) come il nostro mantiene ormai solo quella.

www.googleartproject.com

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Questo è, in sintesi, cosa ho ritrovato nelle opere di Niki de Saint Phalle, nella mostra al Museo del Corso di Roma; una pittrice, scrittrice, performer che ha legato il suo nome a un percorso artistico straordinario che va oltre le classificazioni e le mode, e si mescola con una vita tumultuosa e affascinante e con un’energia che ritroviamo in tutte le sue opere.

Un percorso interessante, che passa attraverso le varie fasi di crescita e di sperimentazione: dalla “violenza” di alcuni opere, fino all’esplosione di gioia e femminilità delle sue Nanas, sculture di donne floride e colorate… un vero inno alla vita e ala femminilità appunto.

Sono tornata bambina, mentre attraversavo le sale del museo.
Ho rivisto i miei sogni ma anche i miei incubi infantili, tutti rappresentati con uno stile quasi naïf, ma sempre solare e ironico.

Oppure leggere le pagine del suo diario californiano, California Diary: ogni pagina era un foglio 100×70 con disegni, appunti e scritte stampate in serigrafia… un mondo di sensazioni ed emozioni dentro ogni pagina; “Un’analisi delle esperienze vissute attraverso la formulazione ordinata dei propri pensieri e delle proprie emozioni.”

Per poi terminare all’interno di una fiaba, nella sala che ricostruisce in piccolo, e mostrando tutti i bozzetti preparatori, il Giardino dei Tarocchi. Si tratta di un parco realizzato vicino Capalbio nel 1979 e ispirato al Parc Güell di Gaudì a Barcellona, nel quale l’artista immagina un percorso straordinario dove sono rappresentate le 22 carte dei Tarocchi, gli Arcani maggiori, attraverso sculture ciclopiche, alte circa 12/15 metri, ricoperte di mosaici in specchio, vetri pregiati e ceramiche.

E’ inutile dire che è stato coinvolgente, e che il parco sarà una delle mie prossime mete!

Niki de Saint Phalle
dal 3 novembre 2009 al 17 gennaio 2010
a cura di Stefano Cecchetto
Museo Fondazione Roma – Via del Corso, 320 – 00186 Roma
Orario: da martedì a domenica ore 10-20 (la biglietteria chiude un’ora prima)

approfondimenti

Niki de Saint Phalle – nikidesaintphalle.it
Museo del Corso – la mostra

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Un sogno più lungo della notte is a post from: Tiragraffi